2021年7月9日刊

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总第2560期

近期的古装剧数量虽然少了，声势却不减。每一部大制作古装剧的播出都为观众提供了丰富的讨论素材。“古装剧的服饰造型越来越简陋”又成为了观众茶余饭后的话题。

近年来古装正剧日子不好过，就连多年来独树一帜的清流《大秦帝国》系列，也因最近的一部《大秦赋》遭遇了口碑翻车。与之相对的，一众架空、戏说的古装剧，却越来越多开始为自己的服饰还原、造型考究而造势。

其中有观众十分认可的，比如《长安十二时辰》；也有争议颇多的，比如《大宋宫词》。服饰造型作为古装剧重要的视觉元素，对于剧集的重要性不言而喻。古装剧发展至今，服饰造型都产生了哪些变化？如今的古装剧面对观众的质疑，又应该如何改变？

从写意还原到天马行空

早期的电视剧创作还未市场化，古装剧剧组班底大多抱着打磨艺术品的心态创作，制作周期较长。在服化道方面条件有限，并不求奢华高档，但着重于审美的把握和形制的考究。

如今被奉为“神作”的87版《红楼梦》，当时剧组请来了泰斗级学者作为顾问团，其中包括写出《中国古代服饰研究》的沈从文先生。

因《红楼梦》原作本身并未写明时代背景,后经导演与服饰指导的诸多考证,最终将时代背景定位在明代。所以剧中的女性角色大多都身着明代流行的褙子套。她们根据身份地位也有所区别：丫鬟大多穿轻便的比甲搭配袄裙披风；少女穿袄裙、齐腰襦裙，展现灵动身姿；已婚女子外穿披风，显得沉稳娴静。

《唐明皇》的服装设计师李建群女士，在设计服装的时候除了广泛查阅资料，还参看了同时期的画作，多次去敦煌、西安考察。

李建群设计手稿

纵观过去广受好评的电视剧，即使是所谓历史正剧，强调的也是作品的文化底蕴与艺术风格,不是要求在具体的服化道上完全“复原”。设计者们应该做的，是在传统文化中提取具有东方美的风格或者元素，将其融入设计中，展现出其独有的古典韵味。

叶锦添就是其中最知名的代表。由他担任美术指导的《大明宫词》将写意和戏剧化推到了极致，利用独具匠心的构图和色彩建构起一个如梦如幻的世界。

为了表现唐代女子的开放,采用了大开肩的设计,用金色、大红色、深蓝色这些明亮的色调直接冲击人们的眼球，给人一种油画式的美感。虽然剧中的服饰造型距离写实已经有些遥远，但是其中包含了极具特点的古典元素，是符合“现代人心目中的古风”。

古装剧中的服饰考究，并不等同于照本宣科地还原史书。由于真正的历史与观众当下的审美有一定的距离，适当的艺术化反而会给观众留下更好的印象。但另一方面，完全脱离了时代背景，放飞自我的设计,也会让观众感到不适。

21世纪的前十年,中国的历史正剧与古装剧进入发展黄金时期,《康熙王朝》《汉武大帝》《大明王朝1566》《贞观之治》等佳作都是在这时诞生的。

也正是这个时期，随着内地影视市场对外开放，两岸三地合作的剧组班底越来越多，为古装剧带来一股“创新之风”。更多的神话剧、武侠剧、仙侠剧、古装偶像剧涌入市场，争夺年轻人的眼球。

一时之间，古装剧中开始充斥着丰富的现代元素。从蕾丝、薄纱等轻盈的布料，到粉红、嫩黄、浅绿等鲜亮的颜色；从水钻、绒毛发饰，到珠光色眼影、一字平眉……

在这个野蛮生长的探索时期，古装剧有了更超前的思想表达和更丰富的想象力，虽然与历史相去甚远，但是也可以自圆其说。在此基础上，新鲜视觉效果也丰富了剧集的表达空间。虽然有时候服化看起来有些廉价、不可考证，但与剧集相辅相成，给观众带来新奇体验。

其中既有观众心心念念的《仙剑奇侠传》《倚天屠龙记》，也有频频登上影视剧服化迷惑大赏的《刁蛮公主》《欢天喜地七仙女》等等。

从百花齐放到妆发半永久

21世纪的第二个十年，架空设定的剧集有了一定的限制，市场恢复了冷静，两个时期的剧集开始扎堆。一是以《甄嬛传》为代表的清宫剧，二是以《大秦帝国》为代表的展现秦汉时期历史的剧集。

无论是秦汉时期流行的曲裾、直裾，还是清宫中的旗装，都与此前古装剧的随意风格大相径庭。在历史背景的加持下，古装剧的服饰造型也开始转向端庄、厚重。

看了太多以戏说、想象为噱头的古装剧，观众也乐于接受这类剧集简约、复古的风格。因此，这个时期的剧集，无论剧情如何，在服化道上也要尽量靠近“正剧范儿”。《母仪天下》《三国》《楚汉传奇》《苍穹之昴》等都是这个时期的作品。

当然这个时期也有执着于将高饱和色彩发扬光大的于正剧。

2014年，《古剑奇谭》横空出世后，內娱的流量时代正式拉开了帷幕。仙侠剧、古装偶像剧卷土重来，但与十年之前不同的是，过去的剧集以创新、猎奇取胜，如今的主创却是在重复过去的模式，试图量产“爆款”。

如果说此前仍然是审美回归和百花齐放的阶段，即使五颜六色的服饰造型也是一种美学探索的话，那么随着2017年剧版《三生三世十里桃花》的火热，“性冷淡”仙侠风开始流行。

2018年不再执着于五颜六色的于正拍出了《延禧攻略》，创造了裹着“高级”外衣的“莫兰迪色”美学，进一步推动了这种趋势。

古装剧的造型开启了“节省”模式。单色的衣裙、简单的发髻、成套的头面、一成不变的妆容几乎成为了固定公式。同一个演员或许在不同的剧集中扮演不同设定的人物，但从服饰造型却看不出太大区别。

对于一部分演员来说，演戏的重点不是文艺创作而是“刷脸”，保持自身人设胜于塑造人物，服饰妆发必须安全，不能有新的尝试。对于剧方来说，重要的不是拍好故事，而是尽快完成拍摄，简单的服化造型可以最大程度节约时间，同时利于后期处理。

市场期盼“爆款”公式，因此一个爆款之下就会有无数个模仿的流水线产品，仙侠剧如是，宫斗剧如是，甜宠剧也如是。古装剧从服饰造型到剧情内容，全方位走向同质化。

从叙事手法到宣传手段

影视剧中角色的服饰造型是最直观的视觉元素,是展现人物性格、年龄、身份的重要方式。

历朝历代的服饰各具特色，包含着丰富的信息。影视剧服饰不仅能够交代时代背景、展示地域特色，传达民俗民风，还承担着刻画人物性格、塑造角色，甚至推动剧情的作用。

例如近期被观众频繁拿来当作正面案例的《上错花轿嫁对郎》，其中服化造型独具匠心。两位女主角中，出身武馆的李玉湖灵动清新，出身富商的杜冰雁端庄娴雅，人物的性格背景一目了然。

更难得的是，剧中“上错花轿”的关键情节，正是由于二人穿了同样的婚服，同样的送亲规格，仅仅盖头拿错了才造成的。而剧中为了让这一情节合情合理，花费了大量篇幅来描述前因后果。二人的婚服造型不仅让观众眼前一亮，也融入到了叙事之中，与故事浑然一体。

近期播出的以同样“上错花轿”为故事框架的《花好月又圆》则直接忽略了卖艺少女和皇亲国戚之间的身份差异，以充满巧合的“走错房间”代之，逻辑不通，索然无味。服饰更是如今古偶剧一以贯之的简约廉价风格，剧集即使套上了经典故事的外壳，也难以得其精华。

当然，也有一些剧集主创学聪明了。例如通过《延禧攻略》扬眉吐气的于正。从缂丝团扇到一耳三钳，剧集播出期间他在微博频繁发布着剧中服饰造型的相关考证。传承非遗值得肯定，但这种考究更像是碎片式的拼贴。

同理还有今年播出的《骊歌行》，对于非遗的热爱和历史的考证并没有同时用在剧本的打磨上，呈现出一种“精致爽剧”的观感——外在的画面精致美观，剧集内核仍然是逻辑欠缺的爽剧。

这股非遗的风潮在今年刮得格外猛烈。例如书写制衣传奇的《风起霓裳》，以及热衷于还原古画的《大宋宫词》。实际上，在服饰造型上下功夫的同时，也应该在剧情逻辑上发力，二者相得益彰才能走稳行远。

如果说过去古装剧主创的服化道考据在前期的案头工作里，那么如今的古装剧主创的服化道考据大多都在官方微博、抖音，以及宣传通稿里。过去的服饰考究是为了剧集本身服务，而如今已经成为了一种宣传手段。

另一种宣传方式则是直接利用服化设计师的声明。《如懿传》女主角周迅的造型由张叔平操刀，而《上阳赋》则为章子怡请来了叶锦添亲自设计造型，负责剧中其他角色的则另有其人。请来大师坐镇似乎是剧集对于造型的重视，但不同的设计师造成的风格差异也体现在了剧中，两位“大女主”与剧中其他角色在造型上有明显的不协调。

有的人认为她们是女主角，又是咖位足够的女演员，只有她们才请得动大师级的设计师，这很正常，但这种“理所当然”却真正让人唏嘘。如今演员的咖位、番位，大师的名望、影响力，都被排在了故事合理性与人物塑造的前面。

这样看来，无论是细致考究的非遗传承，还是妙手的造型大师，对于古装剧本身来说，都有些买椟还珠了。

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